Švýcarský umělec

Alberto Giacometti ~ Surrealist / existenciální / postava sochaře

Pin
Send
Share
Send
Send





Giacometti, Alberto (1901-1966) - Sochař, malíř, kreslíř a grafik, syn Giovanni Giacometti.
1. Dřívější studie a práce do roku 1927
Začal kreslit kolem roku 1910-12, následoval malování a sochařství v letech 1913-15. Na střední škole v Schiers, poblíž Churu (1914-19), rozvíjel svůj styl kreslení především prostřednictvím portrétování. V roce 1919-20 v Ženevě studoval malířství na Ecole des Beaux-Arts a sochařství na Ecole des Arts et Métiers, ale byl více ohromen následnými návštěvami v Itálii (1920-21), kde pracoval bez formálního vzdělání. V sochařství pracoval v akademickém režimu, zatímco v malbě emuloval post-impresionistický a fauvistický styl svého otce, který dokonale zvládl koncem roku 1921, jako v autoportrétu (Curych, Ksthaus).



Následně v lednu 1922 začal studovat sochu v Paříži pod Emile-Antoine Bourdelle na Académie de la Grande Chaumière, kde pokračoval přerušovaně po dobu pěti let. V roce 1925 přestal kreslit a malovat, aby se soustředil na sochařství, a jeho bratr Diego Giacometti se k němu přidal v Paříži. V roce 1927 se přestěhovali do studia na 46, Rue Hippolyte-Maindron v Montparnasse, kde Alberto pracoval po zbytek svého života, s každoročními návštěvami jeho rodiny ve Švýcarsku.


Giacometti udělal několik pozoruhodných soch před 1925, když on se obrátil k více avantgardním zdrojům. Po určitém zájmu o formální jednoduchost Brancusiho stylu, například v Torsu (1925; Curych, Ksthaus), obrátil se na kubismus, napodobující díla Jacquese Lipchitze a Henriho Laurensa v jeho vlastních sochách z roku 1927, obvykle nazvaných jednoduše Složení (Muž) nebo (Muž a žena). On také se obrátil k africkému umění pro inspiraci, končit jeho nejprve důležitými sochami: Muž a žena 1926 ( tvystavoval v Salon des Tuileries v Paříži) a Spoon Woman z roku 1926-7 (oba Curych, Ksthaus). Tyto totemické sochy se skládají z radikálně zjednodušených forem; jejich rigidní frontalita a použití mužských a ženských aktů jako sexuálních typů nebo symbolů měly mít dlouhodobé důsledky pro pozdější práci Giacomettiho.



2. Surrealistické období, 1927-1934
První období mimořádné tvořivosti Giacomettiho začalo v roce 1927; během příštích sedmi roků on produkoval sochy v široké paletě stylů. V 1927-8 on modeloval zploštělé kompozice, včetně série portrétových hlav jeho rodičů a skupiny plakety, pozoruhodně Gazing hlava ( tCurych, Ksthaus) a několik tnapř. Washington, DC, Hirshhorn). Desky odrážejí nový konceptuální přístup k sochařské formě a prostoru, protože Giacometti redukoval hlavu nebo postavu na několik vysoce abstrakčních prvků na povrchu plochého obdélníku.



Plakety přitahovaly pozornost André Masson, přes kterého Giacometti se setkal s Maxem Ernstem, Miró, francouzský spisovatel Georges Bataille a jiní kdo povzbudil jej, aby se pohyboval k Freudian tématům sexuality, násilí a fantazie. Jak včlenil tuto novou orientaci, pracoval stále více v otevřených, geometricky strukturovaných kompozicích lineárních prvků, jako ve třech obrázcích venku (1929; Toronto, A.G. Ont.) a ležící žena, která sní (1929; Washington, DC, Hirshhorn), jehož polo-abstraktní imageries zprostředkovávají falické narážky. Následující rok on začal dělat více trojrozměrných konstrukcí smíšených médií, pozoruhodně Suspended míč ( tželezo a sádra, 1930; Curych, Ksthaus), jehož kinetické sexuální implikace vedly André Breton k zápisu do Giacomettioficiální„Surrealistická skupina. Jako aktivní člen od roku 1930 až do roku 1935 se Giacometti objevil jako nejinovativnější sochař surrealistů, rozšířil parametry sochařství koncepčně i stylisticky. Kromě modelování v omítkách vyrobil skulptury s pestrými a křehkými materiály, například zavěšovacími prvky, jako je omítka nebo sklo v jemných strukturách extrémně tenkého dřeva a strun.




Mnoho soch 1931-1933 překročí tradiční definice sochy tím, že přijde tantally blízko k jinému 'Kategorie': Žádné další přehrávání (Dallas, priv. Col.) a muž, žena, dítě (Basle, Öffe. Kstsamml.) se podobají stolním hrám s pohyblivými postavami v abstraktní krajině, zatímco Surrealistická tabulka (Paříž, Pompidou) přibližuje design nábytku podivnými permutacemi. (V té době Giacometti také dělal zakázky pro interiérového designéra Jean-Michel Frank.) Palace ve 4:00 (New York, MOMA) připomíná miniaturní architektonickou scénu, naplněnou evokováním vlastních snů umělce, včetně kostry pterodaktyla a páteře zavěšené v kleci. Květina v nebezpečí (Curych, Ksthaus) hrozí hrozící zničení křehké krásy, zatímco žena s krkem (Benátky, Guggenheim) vyjadřuje následky hrůzného násilí, včetně prvku voyeurismu, jak divák stojí fascinovaně mimořádnými formami sochy. Ruce držící Void (Prázdnota; 1934; New Haven, CT, Yale U. A.G.) představuje záhadný obraz nenaplněné metafyzické touhy, protože postava se chopí nicoty. Téměř ve všech jeho surrealistických sochách hraje prázdný prostor aktivní roli jak kompozičně, tak psychologicky.



V letech 1930-36 se Giacometti zúčastnil mnoha výstav včetně Miró-Arp-Giacometti (Galerie Pierre, Paříž, 1930), jeho první one-man show (Galerie Pierre Colle, Paříž, 1932) a surrealistické skupiny po celém světě (Galerie Pierre Colle, Paříž, 1933; Galerie Charles Raton, Paříž, 1936; Muzeum moderního umění, New York, 1936; New Burlington Galleries, Londýn, 1936; a další v Bruselu, Curychu a Kodani). Nicméně, urychlil jeho prací na čísle v neviditelném objektu (1934; Washington, DC, N.G.A.), v roce 1935 odmítl surrealismus, aby se vrátil k reprezentačnímu umění založenému na studiu života.

3. Prozatímní období, 1935-1945 a vznik zralého stylu, 1946-55
Pro příští desetiletí Giacometti bojoval přes období frustrovaného úsilí, zatímco on pokoušel se zachytit zážitek vnímání, včetně subjektivních efektů prostorové vzdálenosti, bez propadnutí do pouhého popisného stylu. Vrátil se k kresbě, často kopírující starší umění. Opakovaně vytvaroval busty, jak jeho model představoval několik dní nebo týdnů, a do roku 1939 udělal obsedantně reduktivistické omítky, některé tak malé, že se rozpadly na prach. Ačkoli jeho úsilí v Paříži a, během druhé světové války, v Ženevě ( t1942-5) vyrobila jen několik významných děl, položila základy pro poválečný styl. Žena na chariot (1942-3; Stuttgart, Staatsgal) Prefigures jeho pozdnější ženské akty, zatímco umělec je matka a zátiší s Apple (1937) znamenají začátek jeho poválečného lineárního stylu.

Teprve po jeho návratu do Paříže na konci roku 1945 byly Giacomettiho frustrované snahy přesměrovány do jeho zralého stylu, a tak začala jeho druhá fáze intenzivní kreativity. K poskytnutí nezbytných katalyzátorů mohlo přispět mnoho faktorů: vitalita poválečné Paříže, obnovená pomoc a podpora jeho bratra Diego, jeho přátelství s Jeanem-Paulem Sartrem a jeho milostný vztah a domácí život s mladým Annette Arm, se setkal v Ženevě v roce 1943 a v roce 1949 se oženil v Paříži. Mezi tyto sbíhající se podněty patřila radikální změna vnímání (viz Charbonnier pro vzpomínky umělce), což ho přimělo k tomu, aby „viděl“ postavy, jako by byl na dálku, zmírněný a nediferencovaný, vizi, kterou v poválečných letech přeložil do mistrovských děl. Vestigiální stopy surrealistické eeriness jsou nalezené v některých, pozoruhodně The nos (Washington, DC, Hirshhorn), Ruka (Curych, Ksthaus) a vedoucí muže na prutu (New York, MOMA). Jeho nejznámější poválečné sochy zobrazují jednotlivé nebo seskupené postavy, všechny překvapivě kosterní v proporcích a často se montují na velké nebo těžké základny. V bronzech, jako jsou různé vysoké postavy (Washington, DC, Hirshhorn; Curych, Ksthaus), Čtyři obrázky na základně (Pittsburgh, PA, Carnegie) a Chariot (New York, MOMA), jeho rigidní ženské akty jsou jako symboly neredukovatelné podstaty lidstva, nepřístupné a nezničitelné. Zdá se, že jeho muži znají svůj účel nebo cíl, a tak jsou zobrazeni v pohybu, jako v Polohování člověka (New York, MOMA) a energicky kráčející postavy v Chůzi člověka v dešti (New York, priv. Cola tři muži, kteří jdou (Curych, Ksthaus). Poválečné sochy často navrhnou městské prostředí, jak v městském náměstí (New York, MOMA), Žena, chůze mezi dvěma domy a muž přes náměstí ( toba Curych, Ksthaus) a téměř vždy obsahují hmatatelný pocit prázdného prostoru obklopujícího jednotlivé postavy.

Giacomettiho postavy, s jejich zdánlivým vyzařováním, anonymitou a izolací ve vesmíru, okamžitě zasáhly kritiky a sběratele. Jeho sochy byly vnímány jako vhodné metafory pro lidský stav poválečné Evropy: hrůza koncentračních táborů, vysídlených osob, zničených životů. Na více filozofické úrovni, kritici také viděli Giacometti umění jako Existentialist, výklad představený Sartre v jeho dvou esejích o Giacometti umění (1948 a 1954). Tato existenciální interpretace jeho soch a maleb byla normou v průběhu celého života umělce a urychlila reakci formálních kritiků (viz Kramer). Kontextové i historické interpretace jeho umění mají velkou platnost, ale omezují jeho dílo na jakýsi filosofický obraz, zatímco jeho umění vyjadřuje osobnější a univerzálnější angst než jeden z jeho času a místa.
Po roce 1950 Giacometti zúžil svůj kompoziční rozsah, vyhnul se kompozicím s více postavami a městským souvislostem pro jednotlivé postavy a busty. Po roce 1952 modeloval mnoho bust Diego na základě životních studií a paměti. Jejich rozsah sahá od relativně naturalistických zobrazení až po ty, které jsou charakterizovány zkreslujícím vertikálním tsemnebo napětí spojené s ostrými kontrasty mezi čelním a profilovým pohledem, stejně jako ve Velké Bustě Diego (1954; Curych, Ksthaus). Jeho busty i stálé akty jsou charakterizovány expresionisticky modelovanými povrchy a pevnými frontálními pohledy, z nichž oba mají tendenci udržet diváka na dálku.




Během poválečného období intenzivní produktivity Giacometti neustále kreslil a pravidelně maloval po 20 letech. Jeho styl kreslení se skládal z rychle provedených, často nepřetržitých linií, které vířily kolem, přes, a skrze jeho téma, a nikdy ho nedefinovaly, přesto vyjadřovaly smysl pro jeho hmotu a tajemství. Nejstarší poválečné kresby mají těžké přepracování, často zakrývají rysy obličeje v expresionistickém víru čar. Kolem roku 1954, stejně jako zúžil rozsah svých skladeb v sochařství a malířství, rozšířil svůj záběr. Jeho kresby tužek z portrétů, aktů, zátiší a interiérů z poloviny padesátých let ukazují spojení síly a delikatesy, jak se linie prolínají v geometricky strukturovaných traceriích překrytých tmavšími šmouhami a šedivými stíny v nepřetržitě se pohybující oblasti, kde se nic nezdá být pevné nebo stabilní. Jeho vyspělý malířský styl se vyvinul z této metody lineárního kreslení, protože používal velmi tenké kartáče jako tužky. Mnoho z jeho poválečných maleb má virtuózní bravuru těchto černých, bílých, červených a žlutých čar, jako v Portrét matky umělce (1950; New York, MOMA), Diego Seated (1948; Norwich, U. E. Anglia, Sainsbury Cent., Annette ve studiu s 'Vůz' (1950; London, priv. sloupec, viz 1969-70 exh. kočka, str. 93), Diego v červené kostkované košili (1954; New York, priv. Col., viz Lamarche-Vadel, str. 1; 97) a Annette (Stuttgart, Staatsgal). V mnoha skladbách figurují postavy v podvědomém napětí s okolním prostorem, jemně izolovaným od kontaktu s okolím, které Sartre interpretuje jako bytosti v prázdnotě existence.

Poválečná práce Giacomettiho mu přinesla okamžité mezinárodní uznání. Na výstavě v Galerii Pierre Matisse v New Yorku na počátku roku 1948 a opět na konci roku 1950 a v květnu 1958. V Paříži Galerie Maeght představila své dílo v polovině roku 1951, květnu 1954 a červnu 1957. Muzea získala jeho díla a Kunsthalle v Bernu nastoupil v roce 1954 na výstavu s jedním mužem; příští rok on měl oddělené retrospektivy u galerie umění galerie v Londýně a Solomon R. Guggenheim muzeum v New Yorku.


4. Krize 1956-7 a pozdní práce, 1958-65
Pokračovat v jeho úzce předepsaných formátech v sochařství a malbě, primárně busty a stojící ženské akty, Giacometti pracoval stabilně během padesátých lét. Zvláštní poznámka je 15 (10 přeživších) stálé ženské sochy vyrobené pro výstavy v Bernu a Benátkách v roce 1956. Postupně však Giacometti zažíval rostoucí obavy z jeho neschopnosti plně plnit ve své práci to, co chtěl udělat. Tato neuróza vyvrcholila koncem roku 1956, zatímco on maloval portréty hostujícího japonského profesora filozofie, Isaku Yanaïhara (Paříž, Pompidou; Chicago, IL, A. Inst .; priv. Cols). Krize self-pochybností zpočátku a nejvíce viditelně ovlivnila jeho obraz, se kterým on stal se posedlý. Rychlá bravurní linearita poválečných let v dílech jako Annette (1949; priv. sloupec, viz 1969-70 exh. kat., č. 136) se vzdal nerozhodnosti, obsedantně přelakování a obliteraci, takže jeho plátna se staly stále více charakterizovanými šedými miasmami, které převyšovaly postavu (nebo objekt), jako ve Velkém stojatém aktu (1958; Düsseldorf, Kstsamml. Nordrhein-Westfalen).


Po krizovém období Giacometti i nadále trpěl hluboce, ale jeho práce ve všech médiích se stala silnější, zejména od roku 1959-1962. Tato pozdní díla se vyznačují obrovskou intenzitou a výrazným výkonem. V letech 1959-60 vytvořil skupinu velkých soch (původně pověřený Chase Manhattan Plaza v New Yorku, ale nikdy nedokončen), jako souhrn tří hlavních témat jeho díla: Velká stojící žena I-IV, která má průměrně 2,74 m na výšku, monumentální busta a životní velikost Walking Man I-II v životní velikosti. V letech 1962-1965 pracoval na sérii 10 bust Annette a dalších Diego a rumunský fotograf Elie Lotar (1905-69). Všichni mají znepokojivě obsedantní pohledy, energicky modelované povrchy a zkreslené siluety; jejich hledící tváře, často hluboce bodované řezy z modelovacího nože, se dívají dopředu, jako by se snažily proniknout za svou vlastní realitu. V jeho obrazech se vrátila nějaká linearita, ale poněkud odlišným způsobem, spojující se s šedým mlhovým prostorem, aby vytvořila sochařskou, ale strašidelnou trojrozměrnost, v tandemu s gestologickou expresivitou. Spolu s řadou obrazů Annette v letech 1960-62 (např. Washington, DC, Hirshhorn), mnoho z jeho nejmocnějších pozdních obrazů líčí mladou prostitutku jménem Caroline, jejíž byl zamilovaný (např. 1962; Basle, Kstmus). On také maloval sérii 'tmavé hlavyDiego, skromný v měřítku ale strašidelný a téměř morbidní ve skutečnosti (např. Vedoucí Diego, 1961; Boston, MA, Mus. F.A.).

Během posledních let jeho života, veřejná sláva tvrdila značné množství času Giacometti, jako sběratelé, prodejci, mladí umělci, kurátoři a média se hrnuli do jeho malé studio. Matisse i Maeght předvedli v roce 1961 úspěšné výstavy své tvorby, po níž následovalo významné vystoupení více než 100 děl na benátském bienále v roce 1962. Kunsthaus v Curychu1962-3), sbírka Phillips ve Washingtonu, DC (1963), Muzeum moderního umění v New Yorku (1965) a Tate Gallery v Londýně (1965) všechny vykazovaly velké retrospektivy. Brzy v 1963 on měl chirurgii pro rakovinu žaludku, a on stal se zvýšeně unwell, ačkoli on pokračoval pracovat. / Zdroj: Valerie J. Fletcher © Oxford University Press.






















































Giacométti, Alberto. - Scultore e pittore svizzeroStampa, Grigioni, 1901 - Coira 1966), figlio di Giovanni. Frequentò la scuola d'arte di Ginevra; nel 1920-21 fu a Roma; nel 1922 si stabilní a parigi, časté Bourdelle e s'iscrisse all'Académie de la Grande-Chaumière. Dal 1925-1928 eseguiva sculture di carattere decisamente kubista. Nel 1929 Spojené státy, Spojené státy americké Surrealista, realizaça degli objets e delle constructions-cages (Boccia sospesa, 1930, Zurigo, Kunsthaus) e dall'esperienza surrealista trasse un senso magico dello spazio, to znamená, že na mezu di fragili strutture lineari (Palazzo alle 4 del mattino, 1932-33, New York, Muzeum moderního umění). Čtěte a získejte, že se vám podaří, že se objeví obrázek, který se zobrazí na mapě, než se zobrazí na obrázku, na kterém se bude zobrazovat obrázek, který bude zobrazen na obrázku, který bude zobrazen na obrázku. přednáška pro děti a dospělé, kteří se zabývají tím, že se na ni dívají, na zranitelném místě, kde se nachází spousio spazio (Uomo indicante, 1947, Londýn, Tate Gallery). Restaurační zařízení Ginevra durante tutta la seconda guerra mondiale. Nel 1947 riprese a pozorování, které se blíží vero, přihlaste se a získejte další informace, tutoriál tuttavia nello stesso tempo la scultura. Il senso angoscioso dell'esistenza che definisce l'opera di G. è stato particolarmente avvertito da J.-P. Sartre. Nel 1962 otranne il gran premio al Biennale di Venezia e nel 1965 Velkou cenu umění v Paříži. Jednorázové hry pro děti a mládežKunsthaus), dove è stata istituita una fondazione a lui intitolata. / Fonte: © Treccani - Enciclopedia Italiana.

Pin
Send
Share
Send
Send